«Quand j'ai quitté le Michigan en 1974, à douze ans, j'ai annoncé à tous
mes amis que je partais à Los Angeles pour devenir une star de ciné. Mais
dès que j'ai commencé à me balader dans l'Austin Healey de mon père en
fredonnant (sans grand talent) les chansons diffusées à la radio, j'ai
annoncé : C'est décidé. Je veux devenir chanteur.»
Ainsi se raconte le leader d'un des groupes rock les plus déjantés de ces
20 dernières années. Fils du dealer attitré du tout Hollywood, Kiedis plonge
à l'adolescence dans l'univers de la scène musicale underground. Après
des années passées à errer de fix en trip, de magouille en combine, c'est
en fondant les Red Hot Chili Peppers, en 1983, qu'il trouve l'exutoire qui
lui manquait. Le groupe sillonne le pays, entraînant derrière lui une foule de
fans en délire et croisant la route des plus célèbres artistes (Kurt Cobain,
Sinéad O'Connor, les Rolling Stones, etc.).
Mais être une star du rock a ses revers. Lorsque Kiedis prend conscience
que l'héroïne peut avoir sa peau, il décide d'entreprendre une véritable
quête spirituelle, qui le mènera de l'Inde à la Nouvelle-Zélande, pour mieux
le renvoyer à ses origines.
Scar Tissue est le témoignage sans tabou, scandaleux et hilarant, du
«membre le plus camé et sexy du groupe de rock le plus camé et sexy
de Californie».


Lire la suite Fermer

This first full-length biography of the international rock star is beautifully illustrated with over 50 photographs, 22 of which are in full color and many of which have never before been published. 18,000 copies in print. NOW IN ITS THIRD PRINTING! An Advocate best seller! Carefully researched, filled with numerous anecdotes collected from fans and with insights gathered from Etheridge's friends and colleagues, Our Little Secret also features a useful bibliography of some 250 sources and a comprehensive discography. Biographer Joyce Luck, a devoted fan, offers us this tribute to Melissa Etheridge that both chronicles the artist's personal and professional accomplishments to date and anticipates even greater achievements.
BOOK EXCERPT

Chapter One:
Out of Kansas: Coming Alive in the Midwest

If you head north out of Kansas City on Highway 7 and travel on for about 45 minutes, you'll come upon Leavenworth, Kansas, sprawling peacefully across the Midwestern plain from the banks of the Missouri River. Here, on the north side of town near the famous federal penitentiary, Melissa Etheridge was born on 29 May 1961 at 1:15 in the afternoon.

Flash forward: 12 November 1994: She's come home. It's a Saturday night in Leavenworth. The high-school auditorium air thickens with nervous energy; the place is jam-packed. Everybody is here, from a little neighbor kid to a couple in their fifties who lived over on the next block. Even some of her old high-school teachers dot the crowd. This looks like an audience for a school play. It isn't. The buzz of the crowd is getting louder and more urgent. People lean in closer, pressing towards the front of the hall. The space seems to swell.

Finally, a lone male figure strolls onto the stage to introduce the woman everyone has been waiting for. He welcomes the crowd. Everyone listens with mounting impatience as he adds, "Melissa is a hometown girl... her father was very active in our community... we are going to dedicate the ball field in her name (sorry, in John's name)"--the one in the "new park we're getting ready to build." The $20 each person has spent on his or her ticket will go towards that project, the man reminds the audience; then he points out that ushers in orange vests are still collecting money at the back of the auditorium.

Several women scream, drowning out whatever he has left to say. Melissa Etheridge and her band have taken the stage. The crowd leaps up with a roar as Etheridge and the band explode into "If I Wanted To"; then they segue into "No Souvenirs." Dressed in black pants, a T-shirt, and a loose-fitting rust-colored overshirt, sleeves rolled up and head thrown back, Melissa plays ferociously, thrusting the neck of her Ovation guitar up into the air, her strumming fingers a blur.

The hall rocks as it has never rocked before.
Lire la suite Fermer

À  la mort du peintre Jacques Grinberg en mai 2011, sa famille décide d'organiser une grande rétrospective de ses oeuvres et d'éditer à cette occasion un ouvrage exhaustif couvrant toutes les périodes créatrices de l'artiste, des années 1960 aux années 2010.

Sa peinture est spontanée, violente, souvent cruelle jusqu'à l'insoutenable - et de l'autre côté, sa pensée est douce, humaine, caressante.  Sa peinture, mélancolique, cultive cependant la dérision,  plein de clowns, de diables, de visages comiques, de masques grimaçants.

Grinberg était un peintre totalement libre. Sa peinture ne cherche jamais à plaire. Pourtant elle plaît.

« Si vous mettez un violon dans les mains d'un enfant nécessiteux, dit José Antonio Abreu, il ne prendra pas une arme à feu. » Un enfant qui tient un instrument sent qu'on lui confie un objet de valeur. Un enfant à qui l'on apprend à jouer d'un instrument se sent compétent, utile et capable d'enseigner aux autres. Un enfant qui joue dans un orchestre composé d'amis a un sentiment d'appartenance à une commu­nauté, dans laquelle respect mutuel et création de beauté sont inséparables.
Depuis 1975, le million d'enfants vénézuéliens formés par le Sistema donne raison à son fondateur, le musicien et économiste visionnaire José Antonio Abreu, récompensé en 1998 par l'UNESCO du titre d'ambassadeur pour la paix. Son programme d'éducation musicale propose gratuitement aux enfants l'appren­tissage de la musique à des fins sociales. Un de ses plus célèbres élèves, Gustavo Dudamel, chef de ­l'orchestre philharmonique de Los Angeles, en a bénéficié depuis l'enfance et continue d'en faire la promotion dans le monde entier.
Tricia Tunstall nous fait découvrir le Sistema de l'intérieur, au cours de voyages et de rencontres au Venezuela, et nous éclaire sur les ressorts de ce mouvement?: l'enseignement par la pratique collective, l'abord des grandes oeuvres du répertoire, mais aussi la coopération, la transmission entre jeunes et l'émulation. Elle nous fait partager des moments de grâce lors des visites de núcleo, ces « centres » éducatifs qui se multiplient chaque année?: les enfants sont passionnés par la pratique musicale en groupe, les professeurs sont émerveillés par les progrès rapides de leurs élèves.
Un panorama des actions similaires développées sur le territoire français complète ce livre.
Lire la suite Fermer

Smartphone en poche, nous sommes tous photographes : grâce aux applications et aux réseaux sociaux, nous pouvons modifier et partager instantanément nos images.
Pourtant, ce processus de création est par sa nature même limité, et l'on ressent fortement aujourd'hui un rejet de la mode omniprésente du « clique, ajoute un filtre, publie».
Ce manuel s'adresse à tous ceux qui souhaitent déployer leur créativité au-delà d'un simple clic. Illustré de sublimes photos prises par des artistes du monde entier, il constitue une source d'inspiration précieuse. Les exemples sont variés : retour à des techniques traditionnelles de prise de vue et de tirage, expérimentation de matières et supports originaux, dégradation volontaire des clichés...
Des fiches techniques parsèment par ailleurs le livre.

When Rob Faulkner and Howie Becker, two sociologists who were also experienced professionals in the music business, decided to write something about this other part of their lives, they lived at opposite ends of the North American continent. Instead of sitting around talking, they wrote e-mails to each other. And so every step of their thinking, the false steps as well as the ideas that worked, existed in written form. So, when Franck Leibovici asked them to contribute something which showed the - form of life - that supported their work, they sent him the correspondence. The result is one of the most complete and revealing records of scientific collaboration ever made public. And one of the most intimate pictures of the creative process in all its details that anyone interested in that topic could ask for.
Lire la suite Fermer

Hyacinthe Rigaud, peintre favori de Louis XIV, artiste emblématique du Grand Siècle, est pourtant né catalan, sous le nom de Hyacintho Francisco Honorat Rigau-Ros i Serra, dans une famille de peintres-doreurs de Perpignan, l'année même de l'annexion du Roussillon par la France. Son ascension irrésistible, servie par un extraordinaire talent et un sens impressionnant de l'adaptation n'a pas été exempte de compromissions et de renoncements.
Renada Laura Portet nous propose une plongée dans les pensées et les doutes d'un jeune Catalan, formé en France dès ses jeunes années, qui n'hésita pas à changer de nom pour devenir l'expression ultime d'un projet hégémoniste, démiurgique, et d'une monarchie absolue. Ne lui fallut-il pas aller jusqu'à des sympathies jansénistes, et faire venir sa propre mère à Paris pour exorciser cette double trahison à son Dieu et à ses origines ? Accueillir et former son frère, subvenir aux besoins de sa soeur et de ses neveux ? Rigau ne devient Rigaud qu'à la ville, participant de tout son art à l'avènement du classicisme français, certes, mais s'avérant baroque, éperdument, entre les murs couverts de livres et de tableaux flamands de sa maison, dans les portraits sensibles de sa mère et dans son rapport complexe à la foi.
Renada Portet a d'abord écrit ce livre en catalan, sous un titre truculent, « Rigau et Rigaud, un peintre à la cour de la rose gratte-cul », cette dernière expression désignant la rose de l'églantier. Outre l'allusion coquine aux moeurs légères et à leur pesant de trafics d'influences à la cour de Versailles, le titre oppose deux dualités de valeur : Rigau contre Rigaud, le lys contre la rose de l'églantier. La langue riche de Renada Laura Portet, dont le nuancier semble inépuisable, affectionne le vocatif et les ruptures de ton. Elle trahit dans chacune des deux versions, dont elle est à la fois l'auteur et le traducteur, l'affleuremen t de l'autre langue, comme pour épouser, de l'intérieur, les tâtonnements identitaires de son sujet.
Lire la suite Fermer

Livre neuf. Modulations. Une histoire de la musique éléctronique. Si vous cherchez un point commun entre Daft Punk et Karlheinz Stockhausen, Giorgio Moroder et Aphex Twin, Public Enemy et Brian Eno, n'allez pas plus loin : ils font tous partie de la plus grande aventure musicale de la fin du XXe siècle (et du début de ce siècle), celle des musiques électroniques. Du futurisme italien jusqu'aux travaux de déconstruction sonore des musiciens de house ou de downtempo, depuis les montages de bandes magnétiques des précurseurs de la musique concrète jusqu'à l'extrémisme brutal du gabber et la douceur ouatée de l'ambiant, en passant par les fulgurances des pionniers de la musique hip-hop et les visions électro-funk des inventeurs de la techno de Detroit, "Modulations" est la première histoire raisonnée de ces musiques publiée en France. Chaque chapitre de volume collectif, rédigé par un spécialiste, à la fois amoureux sonique et critique érudit, couvre une période de leur développement ou une branche de leur activité créative. Des annexes complètent le panorama en s'attardant sur les sous-genres les plus importants et les styles connexes, tandis que des transcriptions d'interviews donnent la parole aux acteurs eux-mêmes. S'adressant au néophyte autant qu'à l'amateur éclairé, "Modulations" offre au lecteur les clefs pour comprendre le texte et le contexte d'unemusique qui a révolutionné notre approche tant de la composition que de l'écoute musicale, en réconciliant avant-garde et grand public.
Lire la suite Fermer

Dans le cadre de ses recherches consacrées à l'ontologie des oeuvres d'art, Roman Ingarden (1893-1970) se confronte à la réalité architecturale et la soumet à un exercice concret d'analyses tour à tour ontologiques, esthétiques et phénoménologiques. Ce texte est l'un des premiers textes issus de l'école phénoménologique husserlienne à s'interroger sur le sens et le statut de l'architecture en tant qu'art. Il témoigne de la probité et de l'acuité intellectuelles du phénoménologue polonais qui n'hésite pas à revisiter ses analyses et ses convictions au risque de sa propre déception. Il offre également une bonne voie d'entrée dans l'esthétique d'Ingarden car il en décline les principaux concepts et en propose une application éclairante.

Réalisé à la fi n du dix-huitième siècle par Itô Jakuchû, l'un des « Excentriques » de Kyôto, ce recueil de peintures utilise une technique originale à l'expressivité particulièrement puissante.
Connue sous le nom de taku hanga , elle s'inspire de la pratique chinoise de l'estampage. Sur un fond d'un noir profond, fl eurs, plantes, insectes, animaux se détachent en blanc, selon les lignes d'un tracé d'une énergie et d'une intensité saisissantes. Ces images en négatif, au titre évocateur de Fleurs précieuses du jardin mystérieux , n'étaient pas destinées au grand public mais réservées à un cercle restreint d'amis lettrés. Leur singulière précision, leur pouvoir de suggestion, sur ce noir à la profondeur soyeuse, presque magnétique, subjuguent par leur extraordinaire modernité.

« J'ai deux mains merveilleuses, mais gratter les autres là où ça les démange m'est di cile », disait Qi Baishi. Celui qui signait ses peintures sous les noms d'« Ermite de la Pierre-Blanche », « Vieillard Lentille d'eau » ou « Serviteur sans attaches, habitant temporaire des mirages » est le plus grand peintre chinois du vingtième siècle. Son oeuvre est d'une liberté et d'une spontanéité totale, comme s'il avait digéré des millénaires de tradition artistique pour aboutir à cette sûreté de trait qui s'appuie sur le vide pour déployer toute sa force expressive.

Ces dialogues o rent un nouveau visage de Giacometti. Yanaihara y retranscrit le plus fi dèlement possible ses impressions et les paroles échangées avec le sculpteur. Échanges qui permettent de comprendre la relation qui se noue entre les deux hommes dès leur première rencontre, le 8 novembre 1955, avant le début des séances de pose. Habituellement réservé vis-àvis de ses visiteurs, Giacometti se livre volontiers à cet étudiant en philosophie japonais, qui devient vite un ami. Yanaihara est autorisé à pénétrer l'atelier et à y prendre des photographies. Quasi amoureuse, la relation se tisse sur des goûts partagés, notamment l'art mésopotamien. Giacometti parle comme à personne de son art et de celui de son époque, de Matisse ou encore de Hiroshige.
Lire la suite Fermer

Enfant, Bill Graham parvient à fuir l'Europe pour échapper au nazisme et grandit dans les rues du Bronx. Au début des années 1960, avant le Summer of Love, il rejoint San Francisco. Après quelques expériences réussies de management de groupes de rock, il décide d'en faire sa carrière et fonde la célèbre salle de concert Le Fillmore où toutes les icônes du rock et de la contre-culture d'une génération seront lancées : Janis Joplin, Jefferson Airplaine, Cream, The Grateful Dead... Grâce à son témoignage on découvre son histoire personnelle, inséparable des événements majeurs qui ont émaillé l'histoire du rock sur trois décennies, et qui s'achève sur sa mort tragique en 1991. Enlevée, drôle et fascinante, ce livre nous plonge dans l'histoire chaotique de celui qui a créé le business du rock.
Lire la suite Fermer

Cet ouvrage s'adresse aux jeunes photographes en herbe. À travers le décryptage de 20 photographies réalisées par des artistes d'hier et d'aujourd'hui, il propose 20 « missions » à ses jeunes lecteurs. Prendre une photo au ras du sol, détourner l'attention de son sujet, réaliser une série... : autant de pistes à explorer, avec un appareil photo ou un smartphone.
Des fiches techniques expliquent par ailleurs les principales règles de la composition, de la lumière... ainsi que les grandes étapes de l'histoire de la photographie.

" Juif. Pédé. Junkie. À l'âge de dix-sept ans, Lou Reed avait déjà atteint les deux premiers de ces objectifs. " Mick Wall annonce d'emblée la couleur et livre le portrait sans détour d'une personnalité authentique et complexe - artiste extraverti et farouche, musicien charismatique et ombrageux, homme attirant et rugueux, voire franchement antipathique - dont la vie tout entière fut placée sous le signe de la fameuse trinité sexe, drogue et rock'n'roll.
De son Brooklyn natal à la vague d'émotion internationale suscitée par l'annonce de sa disparition l'an dernier, du Velvet Underground à Walk on the Wild Side et d'Andy Warhol à David Bowie, Wall retrace la trajectoire extraordinaire d'un outsider devenu icône. À travers les expériences, les rencontres et les événements qui ont jalonné et façonné une existence hors du commun, il nous propose de découvrir un Lou Reed aux multiples facettes : jeune homme en colère marqué à vie par les électrochocs qu'on lui fit subir adolescent pour le " guérir " de ses tendances homosexuelles, rocker au visage de pierre décourageant les journalistes en interview, vieux sage affrontant le dernier combat de sa vie avec sérénité, réconcilié avec le monde.
Lou est mort le 27 octobre 2013, le foie rongé par une hépatite contractée dès son premier shoot d'héroïne à dix-sept ans. Au moment de sa disparition, Mick Wall mettait la dernière main à son travail. Il eut juste le temps d'ajouter une épitaphe à cette biographie qui fait la part belle à l'oeuvre d'un artiste et musicien de génie, dont la voix et le jeu de guitare inimitables firent toutefois naître d'innombrables vocations.
Lire la suite Fermer

Montage d'entretiens avec les protagonistes du punk-rock américain, ce livre vivant, drôle, tragique, nous plonge dans la vie quotidienne du Velvet Underground, des Stooges, des New York Dolls, de Patti Smith ou encore des Ramones. Les acteurs relatent avec gouaille des anecdotes délirantes, on rit des frasques d'Iggy Pop ou de l'impayable Dee Dee Ramone. Les amitiés indéfectibles côtoient les antipathies et les amours explosives. Tous dévoilent leur mode de vie extrême, moins centré sur l'image que le punk anglais, refusant le peace and love des années 60 et la culture de l'argent roi qui naît avec les années 80. Mais l'innocence paradoxale verse un lourd tribut à ses excès (overdoses, prostitution) et manipule la dérision comme une arme de destruction massive.
Lire la suite Fermer

Dans le cadre des commémorations du cinquantenaire de la disparition de Le Corbusier, le site Cap Martin où se trouvent le cabanon et les unités de camping de Le Corbusier ainsi que la villa E1027 réalisée par Eileen Gray et Jean Badovici ouvre au public (inauguration 26 juin 2015).
C'est dans ce contexte que les éditions Imbernon ont décidé de publier sous forme reliée avec une couverture souple à rabat et en version bilingue anglais/français, ce titre de leur catalogue E.1027 Maison en bord de mer, publié en 2006 et aujourd'hui épuisé dans sa version portfolio (fac-similé de L'Architecture vivante 1929).


As part of the commemorations of the fiftieth anniversary of the disappearance of Le Corbusier, the site Cap Martin where are the shed and camping units Le Corbusier and the villa E1027 conducted by Eileen Gray and Jean Badovici open to the public (opening 2015 June 26).
It is in this context that Imbernon editions decided to publish in paper covers with a soft cover with flaps and English / French bilingual version, two titles from their catalog now exhausted: E1027 House by the sea (2006) and The Le Corbusier Cell - L'Unité d'habitation de Marseille (2013), both published then using the shape of the famous portfolio of the journal vanguard the Living Architecture.
Lire la suite Fermer

Cette affirmation peut sembler exagérée s'agissant de feuilles de papier reliées et de quelques crayons. C'est pourtant bien ce que ressentent les "croqueurs". Le carnet de croquis est un espace intime, personnel, dans lequel on s'exprime et on note ses expériences. Il ne s'agit pas seulement de dessiner, mais avant tout de regarder et d'absorber ce qui nous entoure afin de saisir l'instant et de remplir son carnet de souvenirs. C'est l'occasion de s'arrêter, d'observer et d'apprécier des choses que l'on ne remarque pas habituellement, de prendre son temps et de se laisser porter par ses sensations.

Ce livre vous propose une visite de ce monde où, à travers des centaines d'exemples, vous découvrirez les techniques utilisées par des croqueurs venus d'horizons très différents.
Lire la suite Fermer

La « troisième oreille » est un protocole d'expérience d'une écoute forcée des sons internes au corps, réalisé par Bryan Lewis Saunders. Il utilise à la fois le médium du dessin et celui de l'écriture pour rendre compte des métamorphoses sensorielles produites par l'expérience. Cet ouvrage témoigne de cette expérimentation extrême.
En connectant sa trompe d'Eustache à sa glande pinéale, Bryan Lewis Saunders a eu pour projet de détourner la voie par laquelle le son entre dans son corps. Durant 28 jours (du 25 octobre au 21 novembre 2011) il gardera les oreilles obstruées et la bouche attachée à un entonnoir, documentant en temps réel cette expérience torturée et méditative à travers des dessins et des textes. Chaque jour donnant naissance à une multitude de nouvelles idées impossibles à détailler, l'acte de documentation s'est révélé être un obstacle à l'expérimentation. Les notes, croquis et peintures, effectués rapidement par Lewis Saunders, sont donc considérés par leur auteur comme des esquisses, un point de départ duquel réfléchir de manière approfondie aux résultats de l'expérience produite par Brant Withers.

« En privant vos oreilles externes de la possibilité d'entendre, vous redirigez le son qui est alors entendu par l'intérieur de la bouche. Instantanément, les sons de votre corps se mouvant dans le monde deviennent extrêmement forts. Peu après, vous commencerez à entendre avec votre troisième oreille. » Inclus, le CD de Bryan Lewis Saunders, L'expérience de la troisième oreille.

Edition limitée à 450 exemplaires numérotés.
Lire la suite Fermer

" Mon père veut que je sois avocat et ma mère veut que je sois auteur. Mais ils ne comprennent tout simplement pas - j'ai cette guitare. " - Bruce Springsteen

" La sortie de l'album, c'est juste une journée, mais le disque est là pour toujours ", a déclaré Bruce Springsteen. En quarante ans d'une carrière exceptionnelle, ce sont déjà 18 enregistrements studio que le " Boss " a légués à la postérité. Depuis Greetings from Asbury Park, N.J., sorti en 1973, jusqu'au plus récent High Hopes (2014), en passant par l'historique Born to Run (1975) qui l'a propulsé au rang de rock star majeure, initiant une série de succès couronnés par le fameux Born in the U.S.A. (1984) - grâce auquel il a accédé au statut de superstar planétaire.
Illustré de plus de 250 images et documents, ce livre retrace avec passion le parcours de l'artiste, album par album. Chaque opus y est chroniqué, avec les contributions et les citations de ceux qui ont y ont participé : techniciens, musiciens et Springsteen lui-même. Contenant une discographie exhaustive des albums studio, live, compilations et singles, c'est l'ouvrage de référence indispensable ! Lire la suite Fermer

Guido di Pietro (vers 1400-1455), ou Fra Giovanni dans l'ordre mendiant des dominicains, est connu en France sous le nom de Fra Angelico, et en Italie, sous celui de Beato Angelico. Peintre au «talent rare et parfait», selon Vasari, il participa pleinement à la révolution artistique et culturelle que connut Florence au début du XVe siècle, et répondit à des commandes à Orvieto, Cortone, Padoue et Rome.
Cosme de Médicis lui confia la décoration des salles et des cellules de dominicains du couvent San Marco. Dans un style plus simple que dans ses autres oeuvres, il y développa une narration affranchie des détails matériels et respectueuse du message évangélique, dans laquelle les visages traduisent une sérénité presque joyeuse.
Au style de ses prédécesseurs toscans, Lorenzetti et Martini, qui s'attachaient, eux, à représenter la vie quotidienne, il préféra une peinture plus didactique dans laquelle la lumière et l'éclat des ors n'ont de valeur que spirituelle. Il resta fidèle aux canons du gothique international, mais sut y associer les nouveautés stylistiques et l'esprit des maîtres de la Renaissance florentine, comme son contemporain Uccello, et initia le courant des peintres dits « de la lumière » en recourant aux bleus, aux verts et aux rouges éclatants se détachant sur fond d'or. Son savant traitement des ombres et de la lumière influença les autres « maîtres de la lumière » que furent Filippo Lippi, Piero della Francesca ou Benozzo Gozzoli, son élève.
On doit à Fra Angelico des oeuvres magistrales, notamment des miniatures, des retables, des fresques (couvent San Marco de Florence, chapelle Nicoline au Vatican), le Calvaire et le Couronnement de la Vierge du Musée du Louvre, plusieurs exceptionnelles Annonciations (dont celles du Prado, du musée diocésain de Cortone, du couvent San Marco).
Ce panorama complet de tout l'oeuvre de Fra Angelico est présenté par Timothy Verdon sous un double point de vue : celui de l'éminent historien de l'art et celui du théologien. Son étude comparative n'élude donc rien des textes sacrés, de leur interprétation artistique, du contexte religieux de l'époque, et leur confrontation avec la vie et la démarche créatrice du maître se révèle des plus convaincantes.
Lire la suite Fermer