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DAP ARTBOOK
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Ce livre est publié à l'occasion de l'exposition inaugurale 2021 à l'Academy Museum of Motion Pictures de Los Angeles, en collaboration avec le Studio Ghibli de Tokyo. Il présente des centaines de matériaux de production originaux, principalement un très grand nombre de dessins, et des oeuvres d'art jamais vues auparavant en dehors des archives du Studio Ghibli. Croquis de travail, dessins de personnages, storyboards, mises en page, arrière-plans et films de production de ses débuts de carrière à travers ses 11 longs métrages, y compris Mon Voisin Totoro (1988), Kiki la Petite Sorcière (1989), Princesse Mononoké (1997), Le Voyage de Chihiro ( 2001) et Le Château Ambulant (2004), offrent un aperçu du processus créatif de Miyazaki et de ses techniques d'animation.
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A fabulous tribute to the artist whose stylized poster designs defined Art Nouveau's visual language, and whose influence can be seen everywhere from manga to the Grateful Dead
This volume reappraises the graphic work of Alphonse Mucha (1860-1939) and explores its influence on graphic art since the 1960s. Published in conjunction with a touring exhibition to five leading museums in the US and Mexico, this volume provides an opportunity to survey the development of Mucha's style, which evolved to be synonymous with Art Nouveau. It explores how it was rediscovered by later generations of artists, becoming a new artistic idiom for the Psychedelic Art of the 1960s and 1970s as well as a wide range of visual culture from the late 20th century to today, exemplified by American comics, Japanese manga and street murals.
Coinciding with the opening of the new Mucha Museum in the baroque Savarin Palace in Prague, Timeless Mucha is organized into three thematic sections: Inspirations for the Mucha Style, Le Style Mucha, and Art Nouveau and The Rebirth of the Mucha Style and Its Legacy. The first two sections focus on Mucha's artistic development, examining the theoretical basis of Mucha's style--famously known as "le style Mucha" in fin-de-siècle Paris--and its context. Tracing the artist's footsteps from his youth in Moravia through the 1890s, when he attained fame as a poster artist, the first section highlights a selection of works of art, crafts and books from his own collection. The third section explores visual links between Mucha's artistic idiom and the styles developed by later generations of artists. While Mucha's style continues to influence today's visual culture, including fashion, animation movies and computer games, this catalog also focuses on a philosophical aspect of Mucha's legacy: the art of message-making.
This book was published in conjunction with D.A.P. -
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The complete commercial artist : Making modern design in Japan, 1928-1930
Gennifer Weisenfeld
- DAP ARTBOOK
- Letterform Archive Books
- 26 Mars 2024
- 9781736863343
A revelatory, beautifully produced compendium of the influential Japanese commercial design journal, with posters, billboards, shop window displays and more.
From 1928 to 1930, Tokyo publisher Ars issued The Complete Commercial Artist: a fully illustrated journal of commercial design for both commercial retail spaces and print design. Featuring countless original designs, its 24 volumes were dedicated to topics ranging from posters, packaging, flyers, page layout and typography to neon signage, billboards and shop window displays. Under the guidance of lead editor and writer Hamada Masuji, a passionate advocate for commercial design, the publication became the most important?and visually dazzling?document of Japanese design in its time.
This generous volume from Letterform Archive Books shares hundreds of exuberant and whimsical pages from all 24 volumes of the now-rare publication. An extensive historical essay and volume-by-volume walk-throughs by art historian Gennifer Weisenfeld introduce readers to the magazine's creators and offer analyses of their use of illustration, photography, typography and lettering, highlighting both Japanese and European influences as new forms of media sparked a global dialogue.
Presented for the first time to an English audience, The Complete Commercial Artist: Making Modern Design in Japan 1928-1930 takes readers on an eye-opening tour of interwar Japan's vibrant visual culture. -
Helen Frankenthaler : Painting without rules
Helen Frankenthaler
- DAP ARTBOOK
- Marsilio Arte
- 3 Décembre 2024
- 9791254632192
Andare oltre i canoni stabiliti, alla costante ricerca di una nuova libertà espressiva. È il mondo creativo di Helen Frankenthaler (1928-2011), una delle figure più influenti del movimento artistico americano del XX secolo, celebre per il suo innovativo approccio all'arte e per il ruolo fondamentale nella transizione dall'Espressionismo astratto alla pittura Color Field. In occasione della mostra Helen Frankenthaler. Dipingere senza regole, organizzata dalla Fondazione Palazzo Strozzi e dalla Helen Frankenthaler Foundation, aperta al pubblico dal 27 settembre 2024 al 25 gennaio 2025, Marsilio Arte pubblica il catalogo a cura di Douglas Dreishpoon, direttore dell'Helen Frankenthaler Catalogue Raisonné. Celebre tra la seconda generazione di pittori astratti americani del dopoguerra, Frankenthaler è emersa sulla scena artistica americana, con un approccio alla pittura senza regole e una capacità di improvvisazione che hanno ridisegnato la narrazione del genere pittorico stesso. Con la sua innovativa tecnica a macchie, Frankenthaler ha esplorato un nuovo rapporto tra colore e forma, ampliando il potenziale della pittura astratta in modi che, ancora oggi, continuano a ispirare gli artisti. Lavorando con il colore e lo spazio, l'astrazione e la poesia, l'artista si è distinta per la sua capacità unica di combinare tecnica e immaginazione, ricerca e improvvisazione, espandendo la sua pratica al di là dei canoni stabiliti, perseguendo una nuova libertà nella pittura. L'esposizione offre un'ampia panoramica della produzione artistica di Frankenthaler, indagando a fondo l'evoluzione del suo percorso personale e stilistico attraverso i diversi periodi della sua carriera. Una selezione di dipinti e di sculture, prodotti tra il 1953 e il 2002, dialoga con le creazioni di artisti coevi, tra cui Anthony Caro, Morris Louis, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Jackson Pollock, Mark Rothko, David Smith, Anne Truitt. Il catalogo Helen Frankenthaler. Dipingere senza regole, che accompagna la grande retrospettiva, esamina le affinità artistiche, le influenze e le amicizie della pittrice. Il cuore del volume sono i contributi di Douglas Dreishpoon con interessanti accostamenti tra opere di Frankenthaler e di altri artisti con cui aveva rapporti, in particolare David Smith, Anne Truitt e Anthony Caro.
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Shape, ground, shadow : The photographs of Ellsworth Kelly
Ellsworth Kelly
- DAP ARTBOOK
- Delmonico Books
- 26 Mars 2024
- 9781636811246
Une publication historique avec 60 photographies d'Ellsworth Kelly, l'un des artistes les plus admirés des 100 dernières années;
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A handsome, affordable introduction to the modernist polymath who charted the rhythms of color across textiles, illustration, painting and more.
Sonia Delaunay was a true pioneer of modernist abstraction; breaking with the figurative vocabulary that subordinated color to subject matter, she placed dynamic color interaction at the core of her vision, whether expressed through painting, book illustration or costume and textile design. Drawing inspiration from both traditional Russian crafts and the modern frenetic metropolis, Delaunay's work reflects the drastic changes ushered in by industrialization. Through her polyvalent practice, Delaunay helped construct the new modern woman that she herself embodied: equal parts avant-gardist, creative entrepreneur and businesswoman.
This richly illustrated catalog showcases the range of Delaunay's work as it unfolded over 60 years, from abstract paintings and works on paper to textile design, garments, fashion photography, books and carpets--even a brightly colored sports car.
Born in Odessa, Ukraine, Sonia Delaunay (1885-1979) migrated to Paris in 1906 and became a key figure in the city's avant-garde scene. During these early years, her paintings underwent a formal shift influenced by the vivid colors of Fauvism. She soon met her husband, fellow artist Robert Delaunay, and the couple pioneered a fusion of Cubism and Neo-Impressionism that they termed Simultanism, which denotes abstract painting that uses color in a manner comparable to the use of sound and rhythm in music. In 1964, Delaunay became the first living woman artist to have a retrospective at the Louvre. -
The essential volume on the great fashion designer, entrepreneur and Louis Vuitton artistic director, back in print.
This authoritative Virgil Abloh compendium, created by the designer himself, accompanies his acclaimed landmark 2019-23 touring exhibition and offers in-depth analysis of his career and his inspirations. More than a catalog, Figures of Speech is a 500-page user's manual to Abloh's genre-bending work in art, fashion and design.
The first section features essays and an interview that examine Abloh's oeuvre through the lenses of contemporary art history, architecture, streetwear, high fashion and race, to provide insight into a prolific and impactful career that cuts across mediums, connecting visual artists, musicians, graphic designers, fashion designers, major brands and architects. The book also contains a massive archive of images culled from Abloh's personal files on major projects, revealing behind-the-scenes snapshots, prototypes, inspirations and more--accompanied by intimate commentary from the artist. Finally, a gorgeous full-color plate section offers a detailed view of Abloh's work across disciplines.
Virgil Abloh (1980-2021) was a fashion designer and entrepreneur, and the artistic director of Louis Vuitton's men's wear collection from 2018 to 2021. He was also CEO of the Milan-based label Off-White, a fashion house he founded in 2013. Born in Rockford, Illinois, to Ghanaian parents, he entered the world of fashion with an internship at Fendi in 2009 alongside rapper Kanye West. The two began an artistic collaboration that would launch Abloh's career with the founding of Off-White. Time magazine named him one of the 100 most influential people in the world in 2018. -
Sheila Hicks : Radical vertical inquiries
Sheila Hicks
- DAP ARTBOOK
- Delmonico Books
- 1 Octobre 2024
- 9781636811499
A unique book embracing the verticality of Sheila Hicks' work
For decades, Sheila Hicks has engaged with color, texture and verticality, using textiles as her medium of choice. Her unique approach is informed by her interest in architecture, space, historical weaving traditions and innovations in fiber technology. This new bilingual publication (English and French) focuses on her cascading multicolored columns. Building on her earlier work and occupation with verticality, the columns have extended to new and spectacular settings, notably outdoors, refusing any traditional limitations, adapting to various environments, from the Art Gallery of New South Wales to the rocky hills of the French countryside and medieval castles.
Hicks' work has always been published in innovative formats, a result of her creative collaborations with designers. The book reflects the verticality that is crucial to Hicks' towering fiber structures. It features stunning reproductions of the columns created by the artist over the last 10 years. The selection culminates in Hicks' most recent installation, Vers des horizons inconnus in front of the Institut de France during Paris + in 2023. Radical Vertical Inquiries is an eye-popping, design-forward companion to Hicks' work that shines on its own.
Sheila Hicks was born in Nebraska in 1934 and has lived and worked in Paris since 1964. Her engagement with different cultures enables her to create and exhibit artworks, ranging from the miniature to the monumental, that have been exhibited at museums and other institutions around the world. Among her numerous awards are: U.S. State Department Medal of Arts (2023); Officier de la Légion d'Honneur, France (2022); Honorary Doctorate of Fine Arts, Yale University (2019).
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La publication de cette fascinante collection de carnets de croquis de Picasso marque le 50e anniversaire de la mort de l'artiste (1881-1973). Rassemblant 14 carnets de croquis datant de 1900 à 1959, cette collection de documents d'archives englobe presque toutes les périodes de la carrière de Picasso. L'ouvrage accompagne une exposition en 2023 à la Pace Gallery inspirée de celle de 1986 « Je Suis le Cahier : Les carnets de croquis de Picasso », qui présentait pour la première fois cet ensemble d'oeuvres.
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Mito, filosofia, misticismo e poesia. Sono solo alcune delle tappe che compongono lo sfaccettato percorso artistico del tedesco Anselm Kiefer, celebrato nel volume Anselm Kiefer. Angeli caduti, edito da Marsilio Arte in occasione dell'omonima mostra ospitata a Palazzo Strozzi dal 22 marzo al 21 luglio 2024. L'esposizione, curata dal direttore generale della Fondazione Palazzo Strozzi Arturo Galansino, è stata realizzata e ideata insieme al grande maestro tedesco. Il percorso permette al visitatore di ammirare sia lavori storici, come il collage di xilografie Hortus Philosophorum (Il giardino dei filosofi, 1997-2011), sia nuove produzioni inedite, come Engelssturz (Caduta dell'angelo, 2022-2023), opera creata appositamente per il cortile del palazzo fiorentino. Angeli caduti indica «l'intera umanità, e i suoi drammi anche (e soprattutto) contemporanei», come suggerisce Giuseppe Morbidelli, presidente della Fondazione Palazzo Strozzi. La mostra mira a restituire la vitale complessità dell'arte di Kiefer, celebrandone l'intreccio tra figura e astrazione, natura e artificialità, creazione e distruzione. L'esordio sulla scena artistica tedesca di Kiefer si colloca alla fine degli anni Sessanta, con opere che hanno segnato tra le prime una riflessione sulla storia della Seconda Guerra Mondiale e sull'eredità emotiva e culturale della Germania. Da qui è iniziato un percorso artistico in cui si uniscono forme, allegorie e figure che riflettono su identità, poesia, vicende storiche e correnti filosofiche. Il catalogo della mostra Anselm Kiefer. Angeli caduti, edito da Marsilio Arte è frutto della stretta collaborazione tra il maestro stesso, il suo Studio, il grafico Peter Willberg, la casa editrice e Palazzo Strozzi. Il volume, curato da Galansino con la storica dell'arte Ludovica Sebregondi, si apre con la Conversazione tra Kiefer e Galansino registrata il 16 ottobre 2023 a Croissy, nello studio dell'artista. Il testo è accompagnato dalle immagini di un servizio fotografico realizzato in quell'occasione e da un raro scatto di Kiefer a Palazzo Strozzi intorno al 1969-1970, durante una gita universitaria. Segue il contributo del teologo, sociologo e filosofo Klaus Dermutz, dedicato a Creazione e caduta, con una riflessione sul tema degli «angeli caduti» nelle opere della mostra, alla luce delle implicazioni filosofiche, letterarie, con particolare attenzione alla cultura tedesca. Arturo Galansino dedica il suo saggio ad Anselm Kiefer a Palazzo Strozzi, percorrendo le sale della mostra, affrontando le tematiche ricorrenti nel suo lavoro e le complesse stratificazioni di significati. L'artista come critico è il contributo del testo di Maurizio Ferraris, professore di Filosofia all'università di Torino, dove Kiefer ha ricevuto la laurea honoris causa nel 2014. Segue un ricco portfolio con la riproduzione in grande formato delle opere in mostra. Chiudono il catalogo la corposa Biografia di Ludovica Sebregondi, arricchita da rare fotografie fornite dallo Studio, e una selezione delle principali mostre personali. Con la sua arte, Kiefer riflette sui temi della memoria, del mito, della guerra e dell'esistenza attraverso l'uso di pittura, scultura, fotografia e installazione. Ogni produzione artistica esprime il rifiuto del limite, nella monumentalità e nella potenza della materialità, ma soprattutto nell'infinita ricchezza di risorse con le quali sonda le profondità della memoria e del passato.
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Classic and previously unseen photographs and archival materials by a genius of staged photography, with a new essay by Chris Kraus.
This elegant volume presents more than 40 vintage photographs by the pioneering American photographer Francesca Woodman (1958-81), many of which have never before been seen. These photographs span the creative arc of the artist's life, focusing on the varied thought processes, interests and influences that inspired her work.
Clustered thematically, Francesca Woodman: Alternate Stories highlights previously unexplored relational contexts, drawing deeply on Woodman's formative years in Providence, Rhode Island, and Italy, and featuring previously unpublished photographs and archival materials.
In the newly commissioned essay "Impure Alchemy," critic and novelist Chris Kraus explores Francesca Woodman's life via her work, drawing upon her journals and letters as primary source materials, and exploring the technical means and literary strategies that animate Woodman's works.
Francesca Woodman: Alternate Stories portrays the artist's lasting impact on generations of artists, and offers a compendium of images, which, as Kraus writes, still "inspire new mysteries and questions."
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The canonical 1977 American photobook returns to print in a new, definitive edition that most closely resembles the original
In 1977, American photographers Larry Sultan (1946-2009) and Mike Mandel (born 1950) published a book of photographs titled Evidence. The book was the culmination of a two-year search through the archives of 77 government agencies, educational institutions and corporations, including General Atomic Company, Jet Propulsion Laboratories, the San Jose Police Department and the United States Department of the Interior. The original pictures were made as objective records of activities unfamiliar to the lay public: the scenes of crimes, aeronautical engineering tests, industrial experiments and other subjects. Sifting through some two million images, Mandel and Sultan assembled a careful sequence of 59 pictures. The book was thoughtfully designed to depict the photographs in terms of their "documentary" origins, unaccompanied by identifying captions. Faced with a world of mysterious events and unfathomable activities, the reader is confronted with only the sequential narrative imagery of the book and thus must actively participate in creating its meaning.
Following a revised edition of the book in 2003 and a 2017 reprint--both of which sold out quickly and have become highly collectible--Evidence is back in print nearly 50 years after its initial publication. This new, definitive edition features revelatory new scans--many made from the original negatives--which greatly enhance the eerie objectivity conveyed by the book's title. In many cases, the original negatives revealed that crops had been made to the image by the agencies; the complete images are restored here. The jacketless, library-style binding of the original 1977 edition is also restored, further underscoring its impersonal documentlike character and its canonical status.
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Ce catalogue accompagne l'exposition rétrospective attendue depuis longtemps sur l'oeuvre influente de Philip Guston à la National Gallery de Washington. Elle retrace toute la carrière de cet artiste hors norme et mal connu en Europe, au parcours inattendu, naviguant de la figuration à l'abstraction, du réalisme social à l'expressionnisme abstrait en passant par le dessin satirique.
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Le collectif artistique et militant russe Pussy Riot, formé à Moscou en 2011, est célèbre pour ses actions contre le régime. Sous la direction de Maria (Masha) Alyokhina, membre et cofondatrice du collectif, ce volume compile, par ordre chronologique, la dernière décennie d'événements organisés par les Pussy Riot en Russie. Les thèmes récurrents dans la pratique féministe et anti-Poutine du groupe incluent la liberté d'expression, les droits humains, les droits LGBTQ+ et la libération des prisonniers politiques, tandis que les actions et travaux récents présentent des déclarations anti-guerre et un soutien à l'Ukraine.
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Jean cocteau : The juggler's revenge
Jean Cocteau
- DAP ARTBOOK
- Marsilio Arte
- 10 Septembre 2024
- 9791254631683
Brillante, sorprendente e poliedrico. È Jean Cocteau (1889-1963), artista francese che ha lasciato un segno come disegnatore, regista, scenografo, muralista, designer di gioielli e di abiti. La poesia, tratto fondante del suo inconfondibile stile, è caratterizzata da atmosfere mitologiche e circensi e da una scrittura spiazzante che accompagnerà sempre la sua infinità di creazioni nei campi più disparati. In occasione della prima retrospettiva in Italia dedicata all'artista, allestita alla Collezione Peggy Guggenheim di Venezia, esce per Marsilio Arte il libro Jean Cocteau. La rivincita del giocoliere di Kenneth E. Silver, con un saggio di Blake Oetting (Orfeo, due e più volte: i riverberi queer di Jean Cocteau). Lo spazio espositivo è anche un omaggio all'amicizia che legò l'artista a Peggy Guggenheim. Fu lui, infatti, a incoraggiare la giovane collezionista ad aprire nel 1938 la galleria londinese Guggenheim Jeune. Guggenheim ricambiò il sostegno ospitando più opere di Cocteau, all'epoca amico e consulente artistico di Marcel Duchamp. Da quel momento l'artista iniziò a frequentare la casa della mecenate newyorchese a Venezia, a Palazzo Vernier dei Leoni, innamorandosi della città. Guggenheim ribadì più volte che la parola era un mezzo di espressione che Cocteau utilizzava con virtuosismo da acrobata. La rivincita del giocoliere è un richiamo alla sua abilità di riuscire ad attraversare gli ambiti più disparati con uno sguardo trasversale, capace di cogliere e mettere in relazione l'estetica e la storia. Nel suo primo libro, La spaccata, lo stesso Cocteau si dice affascinato dagli artisti delle giostre e del circo, tanto che più avanti, a carriera avviata, inserirà due acrobati e un prestigiatore cinese nel libretto del balletto Parade, e il mago Merlino in I cavalieri della tavola rotonda. Fonte inesauribile di creatività e visioni, il genio di Cocteau si manifesta nei romanzi, tra cui Il libro bianco, in film come Il sangue di un poeta, con Lee Miller nei panni di una statura greca che prende vita, e nella Macchina infernale, rivisitazione dell'Edipo Re, solo per citare alcuni dei suoi capolavori. Cocteau stesso si racconta definendosi «una menzogna che dice sempre la verità»: nella sua opera si serve regolarmente del mito per presentare una storia e allo stesso tempo «riempirla di codici, costringendo il pubblico ad andare alla ricerca di ciò che è nascosto, come giocasse a nascondino». La rivincita del giocoliere abbraccia la versatilità per cui l'artista è stato spesso criticato dai suoi contemporanei, ripercorrendo lo sviluppo della sua estetica e i momenti chiave della sua vita tumultuosa attraverso opere create con tecniche e mezzi differenti. Una selezione di disegni evidenzia la centralità del desiderio e della sensualità che contraddistinsero sempre la sua arte.
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Jean-Michel Basquiat : Handbook
Basquiat Jean-Michel
- DAP ARTBOOK
- No More Rulers
- 20 Avril 2024
- 9798988928607
Une introduction abordable et compacte sur l'artiste qui a radicalement changé le cours de l'art de la fin du 20e siècle.
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Sur plus de 50 années de carrière, Ellsworth Kelly a créé environ 400 cartes postales faites de collages, certaines ayant servi d'études pour des oeuvres d'autres medias ou de plus grand format. Cet ouvrage présente ces cartes, depuis les premières monochromes de 1949 jusqu'à celles de 2005 représentant des marines. Il permet ainsi de découvrir une facette moins connue et plus expérimentale du travail de l'artiste américain.
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A concise and affordable overview of Dumas' existential portraiture, with previously unseen works.
An engrossing compendium of more than 100 works from 1984 to the present day by South African painter Marlene Dumas (born 1954), Open-End offers a selective overview of her career to date, and a first look at pieces created over the course of the last few years.
Of her work, Dumas says: "I am an artist who uses second-hand images and first-hand emotions." While in the early years of her career she was known for her collages and accompanying texts, today Dumas works chiefly in oil on canvas and ink on paper. The majority of her production is made up of portraits of people in states of suffering, ecstasy, fear and despair. A crucial moment in the development of Dumas' style came with her use of images from newspapers and magazines, stills from films and Polaroids.
Open-End brings together pieces from international museums and private collections to provide new insight into Dumas' work and methods. -
Malgré une carrière prolifique sur plus de 5 décennies, la photographe Eveyn Hofer peu reconnue de son vivant et qualifiée par le critique d'art Hilton Kramer de "photographe inconnue la plus célèbre d'Amérique". Au cours des années 1960, elle a consacré une série de livres de photo aux villes européennes et américaines, dont Florence, Londres, New York, Washington et Dublin ainsi qu'un livre axé sur l'Espagne. Composé de plus de 100 photographies, Eyes on the City accompagne une grande rétrospective de l'artiste aux États-Unis et s'organise autour de ses livres photo. Entre paysages, vues architecturales et portraits, ces séries restituent le caractère de chacune des ces capitales pendant leurs transformations structurelles, sociales et économiques après la Seconde Guerre mondiale.
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Willem de Kooning and Italy
De Kooning Willem
- DAP ARTBOOK
- Marsilio Arte
- 10 Septembre 2024
- 9791254631690
Artista intenso, avventuroso e inquieto, profondamente influenzato dall'ambiente circostante e attento agli stimoli del quotidiano, Willem de Kooning (Rotterdam, 1904 - New York, 1997) fu una delle personalità più rivoluzionarie e influenti del ventesimo secolo. In occasione della mostra Willem de Kooning e l'Italia allestita nello spazio dedicato alle mostre temporanee alle Gallerie dell'Accademia di Venezia, Marsilio Arte pubblica un catalogo ad approfondimento dei vari aspetti del rapporto tra l'artista e l'Italia con la sua arte. L'esposizione, aperta al pubblico dal 17 aprile al 15 settembre 2024 in concomitanza con la 60° Biennale Internazionale d'Arte, è curata dallo storico dell'arte Gary Garrels e dal direttore della Anish Kapoor Foundation Mario Codognato ed è il primo progetto espositivo che analizza l'influenza dei soggiorni italiani di de Kooning sulle sue successive opere. Riunendo circa 75 lavori appartenenti al periodo che va dalla fine degli anni Cinquanta fino agli anni Ottanta, come i celebri Door to the River, A Tree in Naples e Villa Borghese dipinti nel 1960 a New York, la retrospettiva si presenta come la più grande di de Kooning mai organizzata in Italia. Willem de Kooning ebbe un intenso rapporto con l'Italia e con l'eredità dell'arte italiana. Come ricorda il curatore Garrels, «già negli anni Quaranta gli affreschi pompeiani del Metropolitan Museum of Art di New York, risalenti al I secolo a.C., influirono in modo diretto sulla sua pittura». L'artista fece il suo primo viaggio in Italia solo nel 1959: un breve soggiorno a Venezia e una visita di poche ore a Roma lo colpirono a tal punto da farlo tornare nella capitale nel 1969, dove si trattenne per qualche mese. Questi due soggiorni in Italia ebbero un profondo impatto sul suo lavoro, ma ad oggi non sono mai stati considerati con la dovuta attenzione e completezza: Willem de Kooning e l'Italia è la prima monografia ad esplorare questi due capitoli della sua vita e la loro influenza sulla sua carriera. Il catalogo si apre con il contributo Willem de Kooning e l'Italia: un'introduzione firmato da Garrels, una panoramica sulla carriera di de Kooning dagli anni Cinquanta agli Ottanta in cui vengono inserite e contestualizzate alcune delle opere dell'artista olandese. Segue The Italian Hours di Mario Codognato, saggio che approfondisce il tema centrale della mostra e del catalogo, ossia il rapporto dell'artista con l'Italia e la sua arte. In De Kooning e la tradizione dell'arte, la storica dell'arte Anna Coliva analizza la pratica artistica del pittore olandese individuando gli stimoli e le influenze che hanno contribuito a delineare la sua peculiare cifra stilistica. Arricchiscono ulteriormente il catalogo una bibliografia essenziale e una lista delle esposizioni, rendendolo uno strumento indispensabile per un'esaustiva conoscenza dell'artista.
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Ralph Eugene Meatyard : stages for being
Ralph Eugene Meatyard
- DAP ARTBOOK
- 16 Mars 2019
- 9781882007004
Jusqu'à sa mort en 1972, Ralph Eugene Meatyard réalisa de nombreuses photographies en noir et blanc créant un univers étrange fait de déguisements et de masques, de doubles expositions, et principalement concentré sur les textures et la lumière. Ce travail donna vie à L'album de famille de Lucybelle Crater, une série de portraits de couples masqués et photographiés dans des situations caractéristiques de la vie d'un couple de la banlieue américaine. Stages for Being accompagne une exposition présentée en 2018 au Kentucky Art Museum et montre comment le photographe autodidacte a su théâtraliser et spectaculariser sa réalité urbaine et sociale, pour une narration originale de cet univers inquiétant.
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Ce catalogue publié à l?occasion de l?exposition itinérante consacrée à Berenice Abbot pendant toute l?année 2019 présente le travail de la légendaire photographe américaine divisé en trois catégories : ses auto-portraits et portraits de personnalités révolutionnaires de l?époque (James Joyce, Djuna Barnes, Janet Flanner et Jean Cocteau entre autres), ses célèbres photographies de New-York et les photographies scientifiques qu?elle commença à réaliser à partir de la fin des années 1940.